【戏曲新生·院团长心声】
京剧史上，梅兰芳、尚小云、程砚秋、荀慧生、马连良、谭富英、张君秋、裘盛戎、赵燕侠，这些熠熠生辉的名字，不仅开创了京剧的各大流派，也为北京京剧院奠定了坚实基础，他们共同铸就了剧院的艺术丰碑，留下了宝贵的精神遗产。如今面对国粹传承，我们既不能沉溺于前辈大师留下的财富，也不能在创新中迷失传统艺术的精髓，如何守正出新，是我们持续思考的课题。
经典剧目是剧院的根基，也是观众的牵挂，绝不能任其在剧目库中落寞。标杆历史剧《宰相刘罗锅》曾轰动京城，连演六十场场场爆满，成为几代观众的文化记忆，是前辈艺术家留下的无价之宝。时隔二十六年，我们重启复排，想法十分质朴，就是不让好戏被岁月遗忘，让当代观众也能在剧场中感受经典魅力。
复排工作，我们邀请了原版主创悉数回归，全程指导把关，力求原汁原味保留剧目讽刺幽默的本色、清正廉洁的底色，同时传承原唱腔与表演特色，不做颠覆性改动。同时，为了让这部经典焕发新生，惠及更广观众，我们也融入了时代元素。原版舞美虽属恢弘之作，但在保留传统戏曲“虚实相生”美学的同时，采用轻量化、写意化的新舞美工艺，以极简布景、光影变幻展现宫廷意蕴，并优化群戏调度、梳理剧情脉络，使节奏更明快、叙事更连贯。如今，仅需两台厢车即可拆卸的舞美，为巡演开辟了更广阔的道路，复排后的《宰相刘罗锅》也将亮相上海国际艺术节等平台，让更多观众领略经典风采。经典需要革新，越改越能焕发生机，关键在于守好根本。
如果说复排经典考验的是守正的定力，创排新戏则考验创新的智慧，创新不难，难的是不丢掉艺术的魂。
京剧《齐白石》是北京京剧院的新创剧目，从2023年首演获得好评，到去年荣获文华奖，期间经历了五次重大剧本修改、十数次大规模研讨、三次集中打磨。编剧任永新坦言，这部戏是他最“苦”的创作，一万多字的剧本前后修改了二十万字，推倒重来五次。“戏是演出来的，更是改出来的”，这是主创团队常说的话，也是北京京剧院一贯的精益求精态度。
打磨过程并非推倒重来，而是反复的“精修”与“突破”。我们曾用近一个月反复观看演出录像，将专家意见和观众反馈逐一梳理，不断探讨提升空间，最终确立方向：聚焦齐白石“衰年变法”的关键时刻，将国画艺术与京剧程式深度融合，打造“戏画交融”的独特舞台风格。在人物造型上，首演版参考了齐白石九十岁的肖像，而“衰年变法”时他正值六十岁左右。为深入了解人物，我们走访了齐白石孙女，得知他一生保持干净整洁，且充满童真童趣。他见到地面上的小鸟形状水渍都要画下来，这张画后来还成了画院的文创产品。这种天真或许就是他的艺术基因。造型团队为此重新设计妆造，塑造出一个充满童趣的白石老人形象，演员身段也更灵活，表演更自然。
其中一场戏，展现齐白石与梅兰芳的交往，首演时插入了一段梅兰芳演《霸王别姬》的片段。再现名家经典固然精彩，但为使剧情节奏更紧凑、观众情绪更集中，我们决定舍弃这段，改为“红花墨叶”的对唱——齐白石画红花墨叶，梅兰芳创花衫行当，两位大师在传统基础上求新求变，艺术的共鸣与大师的友谊在此交融。
无论传承经典还是创作新戏，人才都是重要载体。京剧是“角儿”的艺术，但“角儿”不是捧出来的，是台下磨出来的、是台上练出来的、是实战检验出来的。
为纪念中国人民抗日战争暨世界反法西斯战争胜利八十周年，我们创排了现代京剧《野火春风斗古城》，这部戏汇聚了剧院人才梯队的力量，许多演员因此得到大型剧目锻炼的机会。创排期间，我们专程拜访了原版电影主演王晓棠老师，她谦逊温和、执着坚守的精神，成为我们学习的榜样，演员们在学习“戏”的同时，更领悟了“艺”。在新创剧目《一仆二主》中，我们着重培养剧院的武丑领军人才曹阳阳，武戏演员黄金期短、职业风险高，要趁演员们状态最佳时排出好戏。同时，在《石评梅》《野火春风斗古城》及“渡江题材”等创作中，我们启用了剧院的青年创作力量，因为年轻人最懂年轻人，让他们在排演一线与主创团队共同成长，他们创作的戏既能展现演员技艺，也能吸引年轻观众。
当代京剧亟需年轻观众和新观众，《一仆二主》的创排就是为京剧注入新鲜血液，扩大观众群体。原作《一仆二主》由意大利剧作家歌尔多尼创作于1745年，四百年来被各国多次重排，留下了无数舞台形象。虽是意大利经典喜剧，但人类的幽默乐观相通，我们尝试为京剧《一仆二主》注入中国式幽默和京剧绝活，让这部世界名作更好地对接当代观众。
国粹艺术的传承，是一场永不停歇的传递，前辈院团领导和艺术家们深耕不辍、扎根舞台，为剧院发展种下了参天大树、打下了深厚根基，让我们得以依靠大树、共享繁盛。如今，历史接力棒交到我们手中，不仅要享受前辈的成果，更要肩负起续脉兴艺的使命。唯有敬畏传统、勇于创新，在拥抱市场的浪潮中坚守本心，才能让一出一出好戏，真正立在舞台上、演进观众心里。
